La música es bella

El entorno gráfico de Cool Edit Pro

2009-11-25T08:03:00.000-08:00

Cool edit pro es un programa de ordenador con el que podremos producir música, ya que se trata de una estación de trabajo que incluye:

editor de audio
procesadores de audio
grabador multipista
mezclador de audio
capacidad para trabajar con plugins DirectX

Con Cool Edit podremos podremos editar formas de onda con las que podremos reproducir mezclar, modificarla y procesarla.

También dispondremos de un mezclador multipista en la que podremos ajustar el nivel de mezcla, la panorámica, etc.

A groso modo, estos son los dispositivos que incluye Cool Edit para producir música. Conozcamos su entorno gráfico:

(entorno-gráfico-cool-edit)

1.- Barra de menús. En la parte superior de Cool Edit podemos acceder a las diferentes funciones del programa. El acceso se encuentra en los diferentes menús que alberga la barrade menús.

2.- Barra de herramientas. Ésta alberga botones con accesos directos a las diferentes funciones de Cool Edit. De esta forma, se puede trabajar más cómodamente para la edición y producción musical.

Además, desde él también podremos acceder al panel de efectos y a otro panel llamado Favorites.

3.- Organizador. Se trata de una ventana que nos permitirá tener organizado todo lo referente a la gestión de archivos. Podremos abrir, cerrar y modificar archivos de audio con mucha facilidad.

4.- Visualizador de onda. En esta zona del entorno gráfico de Cool Edit podremos ver una representación gráfica del sonido. Algo muy importante para la mezcla.

5.- Barra de transporte. Lo de "transporte" hace referencia a transportar el cabezar del secuenciador a lo largo del tiempo y/o posición. Con esta barra podremos controlar la secuenciación de la música.

6.- Monitor de nivel. Se trata de una barra gráfica y escalada en decibelios. Con ella podremos saber el nivel acústico de cada archico de audio en Cool Edit, o de toda la mezcla.

7.- Barra de estado. Esta barra nos mostrará información sobre el estado del sistema (de Cool Edit). Por ejemplo, si está parado el secuenciador, que clase de archivo está sonando, cuanto espacio dispone el sistema de memoria, etc.

Con esto hemos visto por encima el entorno gráfico del entorno de producción musical Cool Edit Pro. En posteriores post veremos estas zonas del entorno gráfico con más detalle.

Algunos símbolos musicales de las partituras de música

2009-11-17T07:42:00.000-08:00

En esta entrada del sitio web de música vamos a ver algunos símbolos musicales que podemos encontrarnos en alguna partitura de música. Para ello, he preparado una imagen donde se muestran estos símboles musicales; indicados con un número:

1.- Sostenido. Lo que hace el sostenido es aumentar medio tono la altura de la nota musical de la partitura de música.

2.- Bemol. El bemos hace lo contrario: baja medio tono la nota musical que se encuantra en la partitura de música, y está afectada por el bemol.

3.- Becuadro. Lo que hace este símbolo musical es anular el sostenido que posee la nota de forma predeterminada. Hay notas musicales que, aunque no poseen el sostenido si que están alteradas, para entrar dentro de la escala musical que corresponda.

4.- Compressed Rests. Lo que hace este símbolo es especificar el número de compases a partir de los cuales se descansa en cuanto a la interpretación.

5.- Fernata. La fernata nos indica que tenemos que mantener a la nota musical sonando hasta que la partitura musical finalice.

6.- Repetición. Cuando veamos estos símbolos, en las barras separadoras de compases de la partitura musical, tenemos que repetir los compases comprendidos entre uno y otro símbolo.

7.- Principio y final. Este otro símbolo de las barras de compás nos señalizan el inicio y el final de la partitura de música.

8.- Ligadura de valor. Este símbolo une a dos o más notas musicales. Cuando la veamos en la partitura musical tenemos que sumar los valores de las notas; fusionándolas en una sola.

Configurar el MIDI para escribir partituras con el teclado musical

2009-11-12T10:02:00.001-08:00

Para configurar la interface MIDI en el editor de partituras Enconre necesitamos acudir, en la parte superior, a la barra de menús y, dentre de ésta a Setup -> MIDI Setup.

Nos deberá aparecer la siguiente ventana:

Esta ventana consta de cuatro zonas (de arriba a abajo): MIDI Out, MIDI in, MIDI Thru y Sync Source. La que más nos interesa ahora es MIDI Out, ya que es donde podremos configurar la interfaz MIDI del programa para escribir en la partitura con el teclado musical.

Vemos que tenemos dos puertos: uno es el A y el otro el B; podemos usar el A si tenemos una interfaz MIDI básico (tarjetas domésticas de sonido), y elegir la opción para nuestra tarjeta de sonido.

La armonía musical, uno de los elementos de la música

2009-11-06T09:19:00.000-08:00

El término armonía, de por sí, tiene que ver con un equilibrio entre las proporciones de las distintas partes de una unidad. Esta unidad posee belleza, ya que esas distintas parte de sí misma están bien proporcionadas.

En música, armonía es el arte de combinar sonidos simultáneos, para que el todo esté dotado de belleza. Estos sonidos simultáneos se reproducen por medio de acordes, que son tres o más sonidos ejecutados a la vez.

Para el estudio de la armonía musical se han de valor de dos elementos. Por un lado del estudio descriptivo, que tiene que ver con practicar y ensañar para luego observar lo que mejor suene. En segundo lugar existe un elemento prescritivo, con lo que se intenta abstraer todas la cosas que mejor suenan para así dar a luz directrices universales para la práctica musical.

La armonía es una de las partes de la música, en la música occidental claro está, que se deben dominar para llegar a ser un buen compositor. Existen lo que se llaman progresiones armónicos, que nos brindan una serie de principios estructurales para llevar a cabo una buena armonía musical.

Otra técnica para la música es el contrapunto, que se complementa con la armonía; pero ésta primera está más destinada a la realización de melodías que puedan ser simultáneamente ejecutadas sin que se pierda belleza musical.

Definición del arte de la música

2009-11-05T10:06:00.000-08:00

El término como tal de música viene de la antigua grecia, y significa el arte de las musas. Entonces, a partir de lo dicho, queda una cosa clara: la música es un arte, por lo que existen reglas o directrice que hay que seguir para llevarla a cabo.

No obstante, por su naturaleza de arte, estas directrices no son leyes, y podemos llevar a cabo música de la forma que más nos sea oportuna.

La música es el arte de organizar en el tiempo los sonidos. Pero no todos los sonidos (aunque puede ser), sino una serie de sonidos que ya han sido concertados arbitrariamente.

La finalidad de la música es proporcionar una experiencia sensorial en el oyente, aunque va mucho más allá. La música proporciona emociones, y las evoca; por lo que es un fenómeno muy, pero que muy popular en nuestros días.

La música tiene muchas funciones. Por ejemplo se puede emplear como entretenimiento, o también como ambientación, de forma que se enriquezca a partir de ella una obra cinematográfica.

La música también se puede usar para la comunicación.

La corchea, una de las figuras de valor de la música

2009-11-04T08:35:00.001-08:00

La corchea es una de las figuras de valor que existen, entre otras varias, que nos sirve para establecer el ritmo en la armonía o melodía de la música. Ocupa el puesto cuarto dentro de la lista de las fuguras de valor, después de la negra.

Aunque en España a esta figura de valor de la música se la conoce como corchea, en otros países tiene otro nombre. Por ejemplo, en italia se llama croma (antes fusa), o en Estados Unidos se llama eighth note.

Esta figura de valor tiene una especie de gancho. Precisamente, en francés se la llama crochet (ganchito), haciendo referencia al gancho que tiene esta figura de valor de la música.

La línea que une la nota musical con el ganchito se la llama plica. Cuando hay dos corcheas consecutivas, o más, podemos enlazarla por medio del gancho, tal y como se ve en la imagen de arriba.

El metrónomo: midiendo la velocidad de la música

2009-11-02T03:54:00.000-08:00

El metrónomo es una herramienta que sirve para establecer una velocidad en la música. En concreo, nos marca la velocidad a la que se debe tocar una pieza musical.

Hoy en día, existen metrónomos digitales, pero los originarios son los de péndulo, en los que un péndulo oscilaba en el tiempo para marcar la velocidad; que iba de 40 oscilaciones por minuto hasta 208.

En la partitura musical, la velocidad del tema, que podemos medir con el metrónomo, viene reflejada al principio de la misma, en el primer compás.

Se representa por medio de la figura de valor que utilicemos como unidad de tiempo más una cifra que indica la cantidad de pulsor o golpes por minuto.

Hay que decir que los metrónomos digitales tienen sus ventajas. La primera es que su vida útil es mucho más larga que la de los metrónomos mecánicos. También, la frecuencia de sus golpes son mucho más precisas.

En la siguiente imagen podemos ver dos metrónomos para la música: el digital y el mecánico:

Las alteraciones: el sostenido y el bémol. Notas enarmónicas

2009-10-26T09:03:00.000-07:00

En la grafía musical, las alteraciones son esos símbolos que salen a veces al lado de la nota musical. Nos estamos refieriendo a la almohadilla, la "b" y el recuadrito.

Lo que hacen estos símboles es cambiar levemente el tono de la nota musical. El sostenido aumenta el tono de la nota musical de la música. Por su parte, el bemol hace lo contrario: baja medio tono la altura de la nota musical.

El becuadro es un poco más especial; lo que hace es anular el efecto que produce el sostenido y el bemol sobre las notas musicales.

Puede suceder que al subir o bajar medio tono una nota musical (con el sostenido o el bemol) lleguemos a un sonido que ya es de por sí un sonido natural, y no alterado. En ese caso, decimos que esa es una nota enarmónica.

Intervalos musicales conjuntos y disjuntos

2009-10-24T08:06:00.000-07:00

El intervalo en música es la distancia tonal entre dos notas musicales. Estos intervalos se pueden clasificar en ascendentes o descendentes.

Los intervalos ascendentes son los que van de una nota musical grave a otra más aguda. Los descendentes, por el contario, son los que van de una nota musical aguda a otra más grave.

Para poder medir un intervalo necesitamos incluir en la cuenta a la nota musical que abre el intervalo y a la última (las que lo delimitan).

Llamamos intervalo conjunto al intervalo que solo está constituido por dos notas que, a su vez, son las que lo delimitan. Es decir, que no cuenta con notas intermedias.

El intervalo disjunto es pues, en música, los intervalos con más de dos notas musicales, o sea, los que cuentan con notas musicales intermedias.

Cualidades del sonido de la música: intensidad y timbre

2009-10-06T00:33:00.000-07:00

Vamos a ver ahoa las otras dos cualidades del sonido de la música que nos quedaban por ver: se tratan de la intensidad y el timbre de los sonidos.

Cómo ya dijimos ayer, las cualidades del sonido son cuatro: altura, duración, intensidad y timbre. Estas característas es lo que identifica un sonido de otro.

Intensidad de un sonido de la música

En la práctica, la intensidad de un sonido musical es lo fuerte o débil que suena el sonido dentro de un tuma musical. Este fenómeno está relacionado con la amplitud de onda de un sonido.

Así pues, tenemos que si la amplitud de la onda del sonido es grande, el sonido sonará más fuerte. En cambio, si la amplitud de la onda es pequeña, el sonido sonará sueavemente.

El timbre de un sonido en música

El timbre de un sonido es un fenómeno que tiene que ver con el espectro de frecuencias de un sonido. Es lo que percibimos al escuchar a hablar a una persona: dos personas no "suenan" igual al hablar.

Todo sonido tiene una banda de frecuencias sonoras, esta banda está compuesto por sonidos más básicos llamados armónicos. El timbre es el resultado de la intensidad relativa de todos los armónicos de un sonido de la música.

Así pues, al escuchar un sonido, no lo percibimos de manera "pura", sino que lo que oímos es una mezcla muy basta de frecuencias que, al sonar todas juntas, dan lugar a el timbre de un sonido musical.

Cualidades del sonido de la música: altura y duración

2009-10-05T04:45:00.000-07:00

Cuando escuchamos, en música, dos sonidos, es muy fácil distinguirlos uno del otro; cuando escuchamos el tema musical. En realidad, cuando distinguimos un sonido de otro en música, lo hacemos porque advertimos unas cualidades:

Altura: en música determina lo agudo o grabe que suena un sonido
Duración: es lo que perdura el sonido de la música en el tiempo
Intensidad: es lo fuerte o débil que suena un sonido de la música
Timbre: se trata de la sonoridad de un sonido de la música

Altura en la música

Esta altura hemos dicho que es lo agudo o grave que suena un sonido. Ésto es consecuencia de la frecuencia a la que se emite un sonido en la música. Cuanto más frecuencia más agudo es un sonido, y cuanto menos frecuencia más grave.

Duración del sonido en la música

Hemos dicho anteriormente que esta duración del sonido tiene que ver con lo que perdura en el tiempo. Lo de perdurar no es más que el tiempo que está el sonido sonando (valga la rebundancia).

Fórmula de compás para compases simples y compuestos

2009-09-17T07:26:00.000-07:00

En la fórmula de compás, en los compases simples, es el numerador el que indica los tiempos que tiene el compás de la partitura; el donominador nos indica la figura de valor que coincide en un tiempo. En la práctica, la figura de valor que vale un tiempo.

Veamos una figura que nos aclarará esto: la representación de las figuras de valor en los compases simples:

Por otra parte, los compases compuestos, la fórmula de compás no nos indica nada de lo anterior: ni el numerador indica el número de tiempos por compás, ni el denominador la figura de valor que valdrá un tiempo.

Veamos una imagen similar a la anterior, pero para los compases compuestos. O sea, una representación de las fórmulas de compás para los compases compuestos.

Así pues, vemos que el grupo de compáses compuestos escapa a la regla. Lo que sucede es que intuitivamente lo que hacemos es otorgar a las figuras con puntillo como unidad de tiempo.

Es por eso que tendemos a dividir los compases compuestos de la música de forma binaria y ternaria cuando escuchamos un ritmo compuesto.

Clasificación de los intervalos musicales

2009-09-16T08:22:00.000-07:00

Antes de ver la clasificación de los intervalos, por si no se sabe, hay que decir que un intervalo musical es la distancia tonal que separan a dos sonidos; o el mismo sonido a diferentes tonos.

Para estudiar cualquier intervalo tenemos que hacer uso de un número que nos indicará la distancia entre las notas musicales. A continuación, tenemos que clasificar dicha distancia según los tonos y semitonos de la que conste dicha distancia del intervalo.

Por ejemplo, en la siguiente figura podemos ver dos intervalos. En la práctica, lo que se puede hacer es contar las notas que hay entre las dos del intervalo musical.

Primer ejemplo. Vemos que tenemos el intervalo Do - Mi, y que, contando a éstas, tenemos las notas Do - Re - Mi comprendidas en el intervalo. Entonces éste es de tercera.

Segundo ejemplo. El intervalo es Mi - La, que entre ellas tenemos cuatro notas, que son: Mi - Fa - Sol - La. Entonces, el intervalo será de cuarta.

Clasificación fundamental de intervalos musicales

Este tipo de clasificación para los intervalos musicales nos ayudan a ordenarlos según su sonoridad. Así, podemos tener intervalos mayores, menores, justos, aumentados, disminuidos, super-aumentados y sub-disminuidos.

Podemos coger la tónica de una escala mayor e ir recorriendo toda la escala, identificando el intervalo correspondiente entre la tónica y dicha nota de la escala. Veremos que solo tenemos intervalos mayores y justos.

Cargar sonidos en los canales de FL Studio y dar efectos básicos

2009-09-14T08:39:00.001-07:00

Vamos a aprender a cargar muestras de sonido (samples) en los canales del FL Studio. Además de ésto, veremos como, en la ventana de propiedades del canal, trabajar en la forma de onda del sample.

Bien, comencemos. Lo primero que tenemos que hacer, para cargar un sonido en un canal de FL Studio, es abrir la ventana de propiedades. Para ello tenemos que pulsar en el botón del canal; dónde aparece por defecto "sampler".

En el gráfico anterior ya sale un sonido cargado en el canal. El procedimiento a seguir para cargarlo es muy sencillo: tan solo debemos pulsar en el botón donde aparece el icono de un archivo, muy similar a los de Windows.

Al cargarse el sonido, vemos que la forma de onda del mismo aparece en la parte inferior de la ventana de propiedades del canal.

Vamos a ver como darle algunos efectos básicos al nuevo sample que hayamos cargado. Nos vamos a centrar, dentro de la ventana de propiedades de canal, en la sección: Precomputed effects.

Remove DC Offset. Esta opcción nos sirve para corregir la verticalidad de la forma de onda del sample.

Reverse Polarity. Lo que hacemos al activar esta opcción en FL Studio es invertir la forma de onda, pero en sentido vertical.

Normalize. Normalizar es conseguir el máximo volumen de sonido sin que éste distorsione. Así pues, al activar esta opcción conseguiremos que el sample funcione mejor.

Fade Stereo. Aquí lo que conseguimos es un desvanecimiento en el campo stereo de izquierda a derecha.

Reverse. Invertimos la muestra de sonido horizontalmente, es decir, lo revertimos.

Swap Stereo. Con esta opcción podemos intercambiar los canales entre sí.

Fade In (IN). Nos sirve para aplicar a la forma de onda del sonido un fundido de volumen. Es decir, el sonido empezará poco a poco, de menos a más.

Fade Out (OUT). El sonido se desvanecerá poco a poco, hasta llegar al silencio al final de la forma de onda.

Pitch bend (POGO). Con este potenciómetro podemos controlar el tono del sonido en el tiempo. Es bueno para modificar sonidos percusivos y de batería.

Crossfade Loop (CRF). Este potenciómetro está indicado para hacer fundidos entre dos samples; o sea, con él podemos controlar la transición entre dos muestras de sonido.

Trim Threshold (TRIM). Por lo general, FL Studio eliminará el silencio final de la muestra de sonido, liberando memoria RAM sin alterar el sonido "in situ". Podemos controlar el umbral por el cual el programa detectará silencio.

Los compases compuestos

2009-09-13T07:31:00.000-07:00

En los compases compuestos, la fórmula de compás que los identifican tienen como numerador 6, 9 o 12. Estos compases compuestos, al derivarse de los simples, sus tiempos no se marcan de la misma forma que los simples.

Una regla muy fácil para construir un compás compuesto, es multiplicar la fórmula del compás del simple de la siguiente forma:

El numeror por 3, y el denominador 2

Por ejemplo, un compás simple de 2/4, consta de dos tiempos que valen cada uno una negra. Al aplicar la fórmula, podemos pasarlo a compuesto; quedando otro de 6/8 que tendrá seis tiempos con un valor cada uno de corchea.

Una cosa a tener en cuenta, es que este último compás compuesto podemos dividirlo en dos grupos de tres tiempos de corchea.

Así pues, es más sencillo pensar en los compáses compuestos como derivación de los simples, a través de la formulita de más arriba.

Y por otro lado, que el compuesto de numerador 6 se puede dividir en dos grupos, el de numerador 9 se divide en tres grupos, y el de numerador 12 en cuatro grupos.

La ligadura de valor y el puntillo de las figuras de valor

2009-09-11T02:46:00.001-07:00

La ligadura

En algunas ocasiones puede que hayas visto una línea curva paralela al pentagrama, y que une a dos notas musicales. Es lo que se conoce como ligadura de valor.

Esta ligadura de valor lo que hace es que suma los valores de las figuras musicales, siempre que éstas estén a la misma altura.

Cuando la ligudura une notas que se encuentran a distinta altura tonal, lo que está haciendo es añadirle un tipo de expresión musical, y no ya unir la duración de ambas.

Por otro lado, las ligaduras de valor pueden abacar un solo compás, quedando dentro de él. También pueden conectar notas de más de un compás, para que su sonido se expanda a lo largo de todos ellos.

Lo que hay que tener presente es que, para unir más de dos notas, tenemos que encadenar ligaduras de valor a lo largo de estas notas musicales de la música.

El puntillo

También, pero no tan común, es apreciar un puntito al lado de la nota musical de la figura de valor, o al lado de un silencio. Este punto lo que nos indica en la partitura es que tenemos que aumentar en la mitad el valor de la figura de valor.

En la práctica, es como si escribiésemos una figura de valor y a continuación la que le sigue, fusionándolas con una ligadura de valor. O bien, equivaldría a escribir tres figuras de valor por debajo en la jerarquía.

Uso básico del secuenciador por pasos de FL Studio

2009-09-08T09:56:00.000-07:00

Vamos a empezar con la práctica de FL Studio (Fruity Loops). En concreto, lo que vamos a hacer es aprender a usar de forma muy básica el secuenciador por pasos de FL Studio.

El secuenciador por pasos de FL Studio consta de dos elementos fundamentales: el primero son los canales, y el segundo son los pads. Estos canales los podemos encontrar orientados horizontalmente, y constan de varios elementos, entre los cuales aparecen los pads.

Cuando hacemos clic con el ratón en uno de los pads, éste se ilumina. Es entonces cuando la cabeza del secuenciador, al pasar por el pad iluminado, reproducirá el sonido del canal del pad.

Podemos ver también, que cada canal del secuenciador por pasos de FL Studio dispone de dos potenciómetros (en la imagen, indicados como "controles"). Éstos sirven para ajustar el volumen y la panoramización del sonido que haya cargado en el canal.

La escala cromática y pasajes cromáticos

2009-09-06T08:09:00.001-07:00

La escala cromática está formada por todas las teclas de un teclado de piano, o los trastes de una guitarra. Su estructura es muy homogenia, estando separados todos los sonidos de la escala por medio tono.

Cuando ascendemos por la escala cromática, alteramos los sonidos por medio de sostenidos; es decir, aumentando medio tono.

Por el contrario, cuando descendemos por la escala cromática, lo que hacemos en la práctica es bajar medio tono los sonidos naturales. Entonces lo que hacemos es alterar los sonidos por medio de bemoles.

Las escalas cromáticas se pueden usar en mitad de un pasaje melódico. Cuando se utiliza esta técnica, lo que hacemos es llevar a cabo un pasaje cromático, o movimiento cromático.

Introducción a los arpegios de la música

2009-09-04T07:40:00.000-07:00

Los arpegios son sucesiones de notas que se van tocando una detrás de otra. Para su estudio lo que se hace es analizar las notas que constituyen el arpegio e intentar identificar el acorde correspondiente, según las notas musicales del arpegio constitutivas.

Así pues, los arpegios están íntimamente ligados a los acordes. De hecho, para que haya arpegio, igual que ocurre con los acordes, tienen que ejecutarse tres sonidos musicales diferentes como mínimo.

Veamos una imagen de ejemplo donde se relaciona un acorde de séptima con su correspondiente arpegio:

Lo primero destacable a observar en la imagen es que el arpegio puede ser abierto o cerrado. Es cerrado cuando sus notas musicales no exceden de la octava, entre la más grave y la más aguda. Es abierto cuando no ocurre eso, cuando excede de la octava.

También, un acorde puede estar en posición fundamental o invertido. Este concepto lo veremos más adelante, cuando veamos la inversión de acordes. De todas forma, adelanto que es cuando una nota del arpegio se sube o se baja una octava.

Los arpegios son un buen recurso musical para acompañar melodías. Si se construyen arpegios complejos sobre una base armónica o melódica, se puede enriquece mucho nuestra música.

Matices musicales: signos de intensidad

2009-09-02T08:34:00.001-07:00

Para que la música no suene tan "estática" podemos hacer uso de algunos matices a la hora de interpretar la música. Con esto ganaremos en expresión musical.

Una forma, entonces, de ganar expresión es ejecutar los sonidos con diversas intensidades, es decir, unos más fuertes que otros.

Veamos una tabla en donde podemos ver una relación con los signos que saldrían en una partitura, indicándonos lo fuerte o débil que debemos ejecutar un sonido:

pianissimo	pp	muy suave
piano	p	suave
mezzo piano	mp	medio sueve
mezzo forte	mf	medio fuerte
forte	f	fuerte
fortissimo	ff	muy fuerte
piano forte	pf	suave y después fuerte
forte piano	fp	fuerte y después suave
crescendo	cresc.	aumentando poco a poco
decrescendo	decresc.	disminuyendo poco a poco
diminuendo	dim.	disminuyendo poco a poco

Para los dos últimos matices de la tabla tenemos unos símbolos especiales que podemos ver en la siguiente figura. Osea, equivalen a crescendo y decrescendo.

Acordes para piano: Re mayor, Sol mayor y La séptima

2009-08-29T09:46:00.000-07:00

Vamos a ver más acordes para piano. En esta ocasión veremos reflejados en el teclado del piano los acordes de Re mayor, Sol mayor y La séptima.

Empezamos por el primer acorde de piano: el acorde de Re mayor:

Este acorde, como se ve en la imagen, consta de las notas Re, Fa sostenido y La. Para la mano derecha, tenemos que tocar el Re con el dedo pulgar, el Fa sostenido lo pulsamos como el dedo corazón, y el La con el dedo meñique.

Para la mano izquierda, el acorde de Re mayor para piano se toca así: Re lo pulsamos con el dedo meñique, el Fa sostenido con el corazón, y el la con el dedo pulgar.

A continuación el acorde de Sol mayor:

Vemos que, para la mano derecha, el acorde de Sol mayor para piano se toca de la siguiente manera: La nota Re con el dedo pulgar, la nota Sol con el corazón, y la nota Si con el dedo meñique.

Para la mano izquierda tenemos que el Re se toca con el dedo meñique, la nota Sol con el índice, y la nota Si con el pulgar.

Ahora el acorde de La séptima para piano:

El acorde de La séptima, en el teclado del piano se toca de ala sguiente manera: para la mano derecha tenemos que pulsar el Do sostenido con el dedo pulgar, la nota Sol con el dedo anular, y la nota La con el dedo meñique.

Para la mano izquierda tenemos que pulsar el Do sostenido con el dedo meñique, la nota Sol con el dedo índice, y el La con el dedo pulgar.

La armadura de las partituras musicales

2009-08-26T08:11:00.000-07:00

Las armaduras son unos símbolos que se encuentran al principio de cada línea del pentagrama, a continuación de la clave. Sirven para indicarnos en qué tonalidad está compuesta la partitura musical.

En la práctica, lo que nos indica la armadura son las notas musicales que se encuentran alteradas; es decir, nos dice através de las notas alteradas que hay en el pentagrama, la tonalidad en la que está escrita la música.

Para las escalas diatónicas, las armaduras indican los dos tipos de estas escalas musicales: la mayor y la menor.

Veamos un gráfico con las armaduras que indican los sostenidos que tiene la partitura:

Es recomendable que nos aprendamos la correspondencia de cada armadura con su correspondiente escala diatónica (recuerda que son escalas por cada armadura).

Veamos ahora las armaduras que nos indican los bemoles que tiene la partitura musical:

Este tema de las armaduras está íntimamente relacionado con el tema de el círculo de quintas, que es un gráfico memotécnico para aprenderse las escalas musicales.

La digitación de los dedos de una partitura

2009-08-25T07:50:00.000-07:00

La digitación de los dedos no es más que una técnica que se emplear al escribir las partituras musicales para comunicar al intérprete con qué dedo debe ejecutar la nota musical del pentagrama.

La digitación de los dedos se utiliza mucho, pues, para escrbir partituras destinadas a estudiantes de música, que estén aprendiendo a tocar un instrumento musical; como el piano.

Dicha digitación consiste en asignar un número (dígito) a cada uno de los dedos de la mano. Veamos una imagen donde se relaciona cada dedo con su número correspondiente:

A continuación dejo una lista en donde se relaciona cada dedo con su dígito:

Pulgar = 1
Índice = 2
Corazón = 3
Anular = 4
Meñique = 5

Esta lista es válida para las dos manos, tanto la derecha como para la izquierda.

En una partitura musical, por ejemplo, un estudiante de piano vería al lado de cada nota de la partitura un numerito que representaría el dedo con el que hay que ejecutar la nota musical.

Los acordes de séptima de la música

2009-08-24T08:03:00.000-07:00

Los acordes de séptima son acordes musicales de cuatro notas, todas ellas separadas por intervalos de tercera. Se dicen que son de séptima porque entre la primera nota musical del acorde y la última hay un intervalo de séptima.

En la práctica, podemos ver los acordes de séptima como tríadas a las que se le a añadido una nota adiciónal, con intervalo de séptima entre ésta nueva nota y la primera del acorde.

Existen varios tipos de acordes de séptimas, veamos estos tipos:

Tríadas menores con séptima menor
Tríadas aumentadas o mayores con séptima mayor o menor
Séptima menor o disminuída con tríada disminuida

Para formar estos acordes de séptimas tenemos que conocer la formación de intervalos. De todos modos, no es difícil, tan solo tenemos que elegir una nota, que será la raiz del acorde, e ir añadiendo notas en intervalos de terceras; hasta llegar a la cuarta nota.

Elementos del pentagrama de una partitura musical

2009-08-21T03:41:00.000-07:00

En una partitura musical podemos encontrar una multitud de elementos diferentes, que son útiles para la transcripción en papel de la música, y puede ésta ser interpretada.

Pero para interpretar música es necesario conocer el significado de todos estos elementos de la grafía musical que podemos encontrar en una partitura.

Así que en la siguiente figura se puede encontrar un cuadro esquemático sobre algunos de los elementos que podemos encontrar en una partitura musical.

Nº de pentagrama. Es un número que hay en el primer compás de cada línea para que sea sencillo encontrar que número ocupa determinado compás dentro de la partitura musical.

Claves. Las claves son unos símbolos que se ponen al principio de la partitura musical para determinar la ubicación de las notas musicales; nos da la clave para saber la nota clave de la partitura.

Fórmula de compás. Se trata de un par de números en forma de fracción (uno encima de otro). Sirve para indicar el tipo de compás: si el compás consta de cuatro tiempos, de tres, de dos, etc...

Pentagramas. Son las cinco líneas horizontales y paralelas. Es "el eje" donde se asientan todos los demás elementos de la grafía musical de una partitura.

Barra de compás. Es una línea que atraviesa perpendicularmente el pentagrama, delimitando los distintos compases. Existen muchos tipos de barras de compás; cada cual tiene su propia interpretación.

Compás. El compás es la unidad ritmica de la música. Se representa dividiendo el pentagrama mediante las barras de compás. Cada compás costa de sus respectivos tiempo, que, a su vez, vienen indicados en la partitural musical mediante la fórmula de compás.

Armadura. Son unos símbolos que van entre la clave y la fórmula de compás. Su misión es indicar la tonalidad de la pieza musical. En la práctica, nos dice en qué escala está escrita la partitura musical.

Llave. Aparece cuando la partitura consta de un doble pentagrama. Tan solo sirve a modo decorativo, para agrupar visualmente los dos pentagramas del doble pentagrama de la partitura musical.

Introducción a FL Studio (Fruity Loops)

2009-08-17T09:00:00.001-07:00

Fl Studio es un programa de producción musical que incluye todo lo necesario para producir grandes temas musicales. Es muy popular dentro de lo que es el mundillo de la pruducción de música Trance y de baile.

No obstante, se puede hacer cualquier estilo de música con FL Studio. Nosotros nos apoyaremos en lo que es la producción de música Dance para ir aprendiendo su uso.

FL Studio se llamaba anteriormente Fruity Loops, pero desde entonces ha evolucionado lo suficiente como para que sea considerado todo un estudio musical autocontenido dentro del ordenador.

A fecha de publicación de esta entrada, FL Studio va ya por su versión 8, la cual incorpora muchas novedades. Una de ellas, y más importante, es la de su motor de audio, que es de una calidad muy buena. Podremos conseguir con él una calidad que no tiene nada que envidiar con la profesional.

El programa está basado en patrones (secuencias melódicas y rítmicas usadas como base), que se pueden ir secuenciando en una ventana de secuenciación. Incorpora de por sí muchos efectos de sonidos e instrumentos virtuales. Además de todo un sistema de automatización.

En cuanto al panel de mezcla, éste ha sido mejorada en su versión 8. En FL Studio podremos automatizar hasta el más último detalle, además de poder hacer enrutaciones de mezclas algo más complejas.

Pues bien, este ha sido una breve introducción a FL Studio. En el próximo post daremos los primeros pasos con este gran programa. No te lo pierdas...

Las características físicas del sonido

2009-08-17T08:32:00.000-07:00

El sonido tiene una serie de características que hacen que diferenciemos un sonido de otro. Por ejemplo, un sonido o ruido puede sonar más fuerte que otro, más agudo o más grave, etc.

Veamos estas característas del sonido que hacen que podamos diferenciar uno de otro:

La altura. Este concepto quiere decir el tono del mismo. Es decir, un sonido puede sonar más grave o más agudo que otro. El sonido que está ligeramente desafinado se le domina como alto o bajo.

La duración. Esto hace referencia al periodo de tiempo en el cual el sonido persiste. Hay instrumentos que su sonido no dura mucho, mientras otros son capaces de sostener su sonido por tiempos muy prolongados.

Por ejemplo, las guitarras eléctricas tienen un sonido con mucha duración, mientras que sonidos percusivos como el de la caja de una batería tienen un sonido muy corto.

La intensidad. Es lo fuerte o débil que suena un sonido. Por ejemplo, el martillo neumático de un peón de obra tiene un sonido con una intensidad muy alta. Por el contrario, el maullido de un gato tiene intensidad baja.

El timbre. El timbre de un sonido es algo un poco más complejo que las características anteriores. Gracias al timbre es el porque distinguimos las voces de nuestros diferentes amigos, le da al sonido su sonoridad particular; lo que lo diferencia de otros.

Algunos conceptos sobre producción musical

2009-08-13T07:36:00.000-07:00

Sample. Es un fragmento pequeño de sonido que denominamos en español muestra. Suelen ser por tanto muestras destinadas a crear la base de un instrumento a través de un sampler.

DSP. Es un procesador digital de señal. Es la herramienta que nos permite manipular la señal de forma digital. Las tarjetas pueden incorporar uno o más DSPs.

Transductor. Es un dispositivo que convierte la potencia eléctrica de una corriente en potencia acústica o mecánica y viceversa. Las vibraciones acústicas pueden ser convertidas en eléctricas. Los tipos más comunes de transductores son los altavoces y los micrófonos.

Dinámico. Hace referencia al tipo de micrófono respecto a su construcción. Éstos micrófonos disponen de una membrana que recoge las vibraciones del sonido, y una bobina que transmite dicho sonido en forma de corriente eléctrica.

Panoramizar. Es dirigir el sonido al canal de salidad deseado, ya sea el izquierdo o el derecho. Se usa frecuentemente en las mezclas de canciones e inserciones de efectos. La panoramización de los distintos instrumentos en la mezcla de una canción es muy importante, ya que nos permite ubicar los sonidos a la vez que escuchamos el resultado.

Algunos conceptos de producción musical

2009-08-13T07:33:00.000-07:00

Sample. Es un fragmento pequeño de sonido que denominamos en español muestra. Suelen ser por tanto muestras destinadas a crear la base de un instrumento a través de un sampler.

DSP. Es un procesador digital de señal. Es la herramienta que nos permite manipular la señal de forma digital. Las tarjetas pueden incorporar uno o más DSPs.

Transductor. Es un dispositivo que convierte la potencia eléctrica de una corriente en potencia acústica o mecánica y viceversa. Las vibraciones acústicas pueden ser convertidas en eléctricas. Los tipos más comunes de transductores son los altavoces y los micrófonos.

Dinámico. Hace referencia al tipo de micrófono respecto a su construcción. Éstos micrófonos disponen de una membrana que recoge las vibraciones del sonido, y una bobina que transmite dicho sonido en forma de corriente eléctrica.

Panoramizar. Es dirigir el sonido al canal de salidad deseado, ya sea el izquierdo o el derecho. Se usa frecuentemente en las mezclas de canciones e inserciones de efectos. La panoramización de los distintos instrumentos en la mezcla de una canción es muy importante, ya que nos permite ubicar los sonidos a la vez que escuchamos el resultado.

Introducción al MIDI

2009-08-11T09:58:00.000-07:00

MIDI son las siglas con la que todo músico debe estar familiarizado. Éstas quieren decir en inglés: Musical Instrument Digital Interface, que en español significa: Interface Diginal para instrumentos Musicales.

En realidad se trata de un código que sirve para comunicar informáticamente a distintos instrumentos musicales. Por ejemplo, si pulsamos una tecla de un teclado eléctrico, mediante MIDI, podemos hacer que el ordenador "se entere" que se ha pulsado dicha tecla.

La información MIDI se transmite por un cable tipo DIN, aunque últimamente se suele transmitir esta información a través del protocolo USB.

Lo que hace el MIDI es comunicar eventos entre instrumentos musicales, para que sean recibidos y ejecutados por un sintetizador por ejemplo. Existen muchos tipos de eventos, como pulsar una tecla en un teclado, pisar el pedar de un piano eléctrico.

Veamos algunos conceptos sencillos sobre MIDI:

Evento: es la señal transmitida en un momento determinado. Esta señal puede comunicar muchas cosas: como cambiar el tono de un sonido a través del pith-ben, o cambiar de sonido en un teclado eléctrico.

Event List: todo programa secuenciador tiene un elemento que se encarga de recoger en memoria toda la información MIDI. Con esto conseguimos saber qué ocurrió en cualquier momento, pudiendo editarlo.

Así pues, no es de extrañar que el MIDI haya sido una de las revoluciones más importantes en los últimos tiempos en lo que la escena musical se refiere. Y más aun cuando se ha producido una explosión en lo referente a la informática musical.

Partitura para piano: En el río

2009-08-10T11:35:00.000-07:00

La partitura para piano "en el río" es la primera que vamos a aprender. Para la mano derecha tenemos los acordes que hemos aprendido: Do mayor, Fa mayor y Sol séptima.

La mano derecha toca una melodía muy sencilla. Al principio costará un poco tocar esta partitura para piano, pero con la práctica se tocará muy bien.

He incluido el audio de la partitura para que se pueda tocar al unísono y así evaluar uno mismo que tal va salido la partitura.

Aquí está el audio.

...Y aquí la partitura (abre la imagen en una pestaña nueva para que así tengas habilitado audio y partitura al mismo tiempo).

Os animo a que me comenteis que tal vais con la partitura en los comentarios, un saludo.

El campo armónico menor en música

2009-08-06T08:48:00.000-07:00

El campo armónico menor es un poco más complejo que el mayor. Esto es así ya que la modalidad de diatónica menor es más complicada: existen hasta tres escalas diatónicas menores.

Por otra parte, hay que saber que las funciones armónicas del campo armónico de una escala se encuentran siempre en los grados de la tónica, de la subdominante y de la dominante.

A continuación se puede ver un gráfico que muestra el campo armónico de la escala de Do menor natural.

El campo armónico está montado sobre acordes de séptima.

Hay acordes en el campo armónico menor que no suenan estable. Por ejemplo, el tercer grado de la escala es uno de ellos, ya que es aumentado con séptima mayor.

Por otro lado, la tónica será, generalmente, una tríada. Esto es así porque la séptima mayor en acorde menor no tiene una sonoridad muy estable. Pero si aparece con séptima, lo lógico es que ésta sea menor; quedándose en acorde menor con séptima menor.

Efectos de envío y de inserción en la mezcla

2009-08-03T07:48:00.000-07:00

Los efectos de sonido pueden ser de dos tipos, atendiendo a la forma en la que los conectemos dentro de la mezcla musical. Pueden ser efectos de envío o de inserción.

Los efectos de inserción tienen una configuración de conexiones más sencilla que los otros. En el siguiente esquema se puede ver como se hace uso de los efectos de inserción:

Como se aprecia, tan solo hay que conectar el instrumento musical, que genera la fuente del sonido, al módulo de efectos. Con eso lo que se hay es que la salida del módulo de efectos contenga el sonido original del instrumento y otra señar con el efecto de sonido.

Esta señal de audio resultante, que sale del módulo de efectos, va a parar a una de las pistas de audio de la mesa de mezclas.

Pero hay efectos de sonido que son muy utilizados dentro de la mezcla musical, para dar coherencia a la mezcla. Es por ello que existe otra forma de hacer uso de los efectos de sonido: se trata de los efectos de envío.

Podemos coger un módulo de efectos y conectarlo directamente a la mesa de mezclas, a la entrada auxiliar exactamente. Con ello, tenemos la posibilidad de mezclar la señar de las pistas de audio con la señal del efecto de sonido conectada a la mesa de mezclas.

Por ejemplo, es muy común que se utilice un efecto de sonido de reverberación a modo de envío a la mesa de mezclas, para que podamos aplicar a los sonidos de la canción el mismo entorno acústico.

Distribución en el teclado de tonos y semitonos del piano

2009-08-02T06:48:00.000-07:00

La distribución en cuanto a tonos y semitonos en el teclado del piano es importante conocerla. De este modo, sabremos las bases para contruir los distintos acordes para piano que podemos tocar con el teclado del mismo.

Antes decir que un semitono es la distancia tonal más pequeña que existe en música occidental. Mientras que el tono es una distancia, el doble del semitono, y se considera la unidad tonal que sirve de base para la construcción de acordes para piano.

Veamos un gráfico del teclado del piano donde se puede apreciar la distribución en tonos y semitonos para las teclas blancas del teclado del piano:

Como se puede apreciar, tenemos un tono en el teclado del piano entre las teclas que cuentan con una tecla negra entre ellas. Y, por otro lado, tenemos un semitono entre las teclas blancas del piano donde no existe la tecla negra.

Puedes comprobar la impresión que produce un tono y un semitono tocando dos teclas contiguas, una detrás de la otra. Empieza por dos teclas del teclado del piano donde haya una negra en medio. Ahora, pulsa dos teclas donde no haya tecla negra en medio.

Además, si tocamos las teclas del piano por absoluto orden de izquierda a derecha (esto implica tocar las teclas negras también), veremos que todo son semitonos.

Es así, el teclado del piano está muy inteligentemente organizado, de forma que tocando las teclas de izquierda a derecha, y todas ellas, tendremos solo semitonos.

Pues nada, intentar asimilar la distribución de las teclas del teclado del piano en cuanto a tonos y semitonos. Esto permitirá aprender luego más fácilmente como se construyen los acordes en el teclado del piano.

Los acordes de La menor y Re menor para piano

2009-07-31T02:56:00.000-07:00

Vamos a aprender otros dos acordes más para piano. Después de ver los acordes de Do mayor, Fa mayor y Sol séptima para piano, es turno de aprender los acordes de La menor y Re menor.

En primer lugar veamos el acorde de La menor para piano:

Las notas musicales del teclado son La - Do - Mi, aunque La está una octaba por encima de las otras dos para que las progresiones armónicas que vallamos aprendiendo suenen mucho mejor.

Pues bien, para la mano derecha tenemos que tocar el acorde para piano de La menor con los dedos pulgar (Do), índice (Mi) y meñique (La). Para la mano izquierda utilizaremos las teclas del teclado Do con el meñique, Mi con el corazón y la con el pulgar.

El siguiente acorde para piano, el acorde de Re menor lo podemos ver en el siguiente gráfico:

El acorde se toca, para la mano derecha, con el dedo pulgar para la nota Re, el dedo corazón para la nota Fa, y el meñique con la nota La. La mano izquierda puede tocar el acorde de Re menor para piano de dos formas.

En primer lugar con los dedos meñique, corazón y pulgar respectivamente a las notas del acorde. También lo podemos tocar con los dedos anular, índice y pulgar.

Ejercicio para piano de los acordes La y Re menor

Para practicar estos dos nuevos acordes, y los acordes para piano anteriores, he escrito un pequeño ejercicio para ir ejercitando dichos acordes.

Si a alguién le surge alguna duda, o encuentra dificultad en realidad el ejercicio para piano, que me lo comente publicando un comentario. Contestaré encantado :D.

Figuras de valor, silencios y fórmula de compás

2009-07-30T02:03:00.000-07:00

La música tiene una duración precisa en el tiempo. A sí mismo, las notas musicales de una melodía o armonía tienen que tener unos límites en el tiempo. Pues bien, son las figuras de valor las que proporcionan una duración fija en el tiempo a las notas musicales.

Tenemos hasta siete figuras de valor:

Redonda
Blanca
Negra
Corchea
Semicorchea
Fusa
Semifusa

Los silencios son siete también, y se corresponden con cada una de las figuras de valor. Es decir, hay una equivalencia entre silencios y figuras de valor.

Un detalle del gráfico: La línea en posición vertical que sale de la nota se llama plica. Mientras que la extensión que sale a partir de la corchea se llama corchete.

Estas figuras de valor no indican por sí mismas una duración exacta en el tiempo para la nota musical, sino que lo que indican es una duración relativa a cada una de ellas. Dicha relación es 1:2, es decir, que la nota siguiente a una dada valdrá la mitad, la nota de antes el doble, y así...

Fórmula de compás

Ya dijimos en un post anterior que el pentagrama se divide en compases. Cada compás se divide, a su vez, en unas partes iguales llamadas tiempos. La fórmula de compás nos indica los tiempos en que se divide el compás y qué figura de valor que encaja en esos tiempos.

Unidad de tiempo: es la figura de valor que tiene la misma duración a un tiempo del compás.
Unidad de compás: Es la figura de valor que tiene el valor de todo un compás.

Podemos ver en la siguiente imagen una relación de las figuras de valor con su correspondiente denominadores de fórmula de compás.

El campo armónico de la música

2009-07-29T06:44:00.000-07:00

Si cojemos una escala, por ejemplo, la escala más sencilla: la escala de Do mayor, y a cada una de sus notas la convertimos en un acorde, habremos formado el campo armónico de Do mayor.

El campo armónico de una escala, dispone de acordes con diferentes sonoridades. Por ejemplo, en el campo armónico de Do mayor tenemos acordes mayores (en los grados I, IV y V). También acordes menores (en los grados II, III y VI).

Toda escala dispone de su campo armónico, ya sema mayor, menor, pentatónica o cualquier otra clase de escala. Observa que los acordes mayores aparecen, en el campo armónico en los grados I (Dominante), IV (Subdominante) y V (Dominante).

Estos tres grados, dentro del campo armónico disponen de un concepto llamado función armónica.

Para las escaladas diatónicas; en la mayor solo tenemos un campo armónico. En las escalas menores podemos formar más de un campo armónico, ya que existen hasta tres escalas menores: antigua, armónica y melódica.

El piano roll de un secuenciador

2009-07-29T03:18:00.000-07:00

El piano roll es un elemento más de los secuenciadores de los programas para hacer música. En concreto, el piano roll es una forma no tradicional de escribir notas musicales, el volumen de éstas, etc.

En definitiva, es una forma, podríamos decir que moderna, de escribir partituras musicales. En la siguiente imagen podemos ver una captura del piano roll del secuenciador del programa Reason de Propellerheads.

Los rectángulos en posición horizontal y de color rojo son las notas musicales. Disponen de dos parámetros: la altura a la que se encuentran determinan su tono musical (Do, Re...), mientras que su longitud determina su duración; es decir, si figura musical (negra, blanca, corchea, etc...).

Cómo se ve, la regilla está dividida por compases. En la figura tenemos dos compases. En la parte de abajo tenemos otros rectángulos rojos, pero en este caso orientados en posición vertical. Éstos sirven para determinar la intensidad del sonido de la nota musical.

Así pues, este es a grandes rasgos un piano roll de un programa de secuenciación. Pronto ahoremos prácticas con él para aprender a manejarlo.

La nomenclatura intercacional de las notas musicales de la partitura

2009-07-28T09:26:00.001-07:00

Es importante conocer la nomenclarura internacional de las notas musicales, ya que aparecen casi siempe en las partituras musicales.

Veamos la equivalencia entre la nomenclatura tradicional de las notas musicales (Do, Re, Mi...) y la nomenclatura internacional.

Tal y como muestra la imagen, vemos que la nomenclatura internacional usa las letras del abecedario para nombrar a las notas musicales del pentagrama.

Se aprecia que, siendo la nota musical Do la primera nota musical, no se usa la primera letra del abecedario con ella, sino que se la denomina como "C".

También se ve que, al llegar a la nota musical Sol (G), se comienza por la letra A. Es decir, en la nomenclatura internacional se comienza a nombrar las notas tradicionales por La.

Veamos las notas musicales en el pentagrama, nombradas mediante esta nomenclatura internacional; que se denomina así porque es la nomenclatura que usan muchos países.

Escala de Sol mayor diatónica para piano

2009-07-28T03:41:00.000-07:00

Ya sabemos, por el círculo de quintas, que la escala de Sol mayor tiene un sonido altarado. Se trata de la nota musical Fa, que se aumenta medio tono, osea, quedaría Fa sostenido.

En el siguiente gráfico se puede ver la escala de Sol mayor tocada en el teclado del piano. También se incluye la digitación de la mano derecha para esta escala musical. La digitación es una serie de números que nos indica con que dedo debemos pulsar la tecla en cuestión.

Como se puede apreciar en la imagen, empezamos tocando la nota musical Sol del teclado, con el dedo pulgar de la mano derecha. La dificultad está en el sonido Fa, que hay que alterarlo, por lo que tendremos que pulsar la tecla negra del teclado del piano: el Fa sostenido con el dedo número 4, el dedo anular.

También es bueno aprender las notas de esta escala de Sol mayor en el pentagrama, por lo que la siguiente imagen muestra el doble pentagrama del piano con las notas musicales de la escala de Sol mayor.

Ahora es bueno practicar, tocando esta escala musical. Recuerda que para tocar bien el piano hay que practicar, entre otras cosas, las escalas musicales para piano.

La escala de Do mayor pentatónica para piano

2009-07-27T03:31:00.001-07:00

Vamos a ver en este post del blog de música la escala de Do mayor pentatónica para piano. Ya vimos en un post anterior como se forman las escalas pentatónicas.

Las teclas del teclado del piano que forman parte de la escala de Do mayor pentatónica se pueden ver en la siguiente imagen:

Como se puede ver, se trata de las notas musicales del teclado del piano de: Do, Re, Fa, Sol y La. Para cerrar la escala pentatónica utilizamos otra vez el Do de la siguiente octava.

Se trata pues de una escala de cinco notas musicales, al ser una modalidad de pentatónica; pentatónica mayor de Do.

Veamos el patrón de tonos y semitonos de esta escala:

Ahora te toca a ti practicar con el piano est escala de Do mayor pentatónica.

El círculo de quintas y las escalas diatónicas

2009-07-25T01:00:00.000-07:00

El círculo de quintas es un gráfico memotécnico que nos sirve para estudiar que armadura corresponde a cada escala musical diatónica.

En la práctica, viene muy bien estudiar el círculo de quintas para aprender qué sostenidos y bemoles hay en cada escala musical. De esta forma, sabremos tocar inmediatamente cualquier escala diatónica; ya sea mayor o menor.

En el gráfico del círuclo de quintas podemos ver un círculo en donde tenemos unos pentagrama donde se nos muestran las diferentes armaduras. En la parte superior tenemos las escalas mayores.

Observar cómo hay armaduras que compartes dos escalas diferentes: esto es así por el tema de los sonidos enarmónicos.

En la parte central del círculo de quintas tenemos las escalas menores, que como se puede apreciar, comparten sus respectivas armaduras con las escalas musicales mayores.

Las escalas menores que comparten armaduras con sus respectivas mayores son entre sí escalas complementarias. Así, por ejemplo, la escala complementaria de Sol mayor es Mi menor. O por ejemplo, la escala de Si menor es complementaria a la de Re mayor.

La escala pentatónica en el pentagrama musical

2009-07-23T07:58:00.000-07:00

La escala pentatónica, como su propio nombre nos indica, es una escala de cinco notas musicales. Con un patrón de tonos y semitonos especial, ya que cuenta con distancias entre notas de hasta tono y medio.

Es una escala fantástica para improvisar; sobre todo líneas melódicas. Aunque también está muy bien para improvisar cadencias armónicas y progresiones de acordes sobre esta escala musical, que llamamos pentatónica.

Vamos a ver a continuación un gráfico de la escala pentatónica que nos muestra el patrón de tonos y semitonos.

Se puede ver que la escala pentatónica consta de tonos, y de tonos y medios. Los tonos y medios están entre las notas Mi y Sol; y entre las nota de La y Do.

Es conveniente que aprendamos bien el patrón de tonos y semitonos de la escala pentatónica para poder así formar las demás escalas pentatónicas.

Las pistas de audio de la mesa de mezclas

2009-07-22T00:07:00.000-07:00

La mesa de mezclas tiene una serie de controles que sirven para albergar la configuración de un determinado sonido que se esté mezclando.

Cómo la finalidad de la mesa de mezclas es eso: mezclar sonidos; ésta debe tener alguna forma de ubicar cada sonido a mezclar. Dónde se ubican cada sonido en la mesa de mezclas es en la pista de audio.

Así pues, todas las mesas de mezclas tendrán, como mínimo, dos pistas de audio. Las que sirven para prodicir música necesitan más pistas de audio. Las hay que van desde las cuatro pistas a otras que sobrepasan las 64.

Veamos las partes que suelen constituir una de estas pista de audio de la mesa de mezclas:

Efectos. La mesa suele traer una serie de controles para ajustar el nivel de efectos de sonido que afectan a un sonido en concreto.

Lo que se hace es conectar, por ejemplo, un reverberador a la mesa y ésta envía el efecto a todas las pistas. Lueno nosotros elegiremos la cantidad de reverberación con dichos controles.

Ecualización. La mesa de mezclas también trae una ecualización por cada pista. Con esto conseguimos que las pérdidas producidas en un sonido al mezclarlo con otro sean corregidas.

Mute/solo. Tenemos la posibilidad de silenciar un sonido en un momento determinado, para que podamos apreciar otros sonidos en los que nos estemos centrando. A su vez, también podemos hacer que un sonido suene aislado, silenciando los demás de la mezcla.

Panoramización. El panorama de una mezcla es todo el campo stereo. En la práctica, lo que hacemos con la panoramización es ubicar el sonido en la derecha o en la izquierda. Es bueno ubicar el sonido en un sitio concreto, distinto a los de los demás.

Monitor. El monitor es un indicador que nos informa de lo que está sonando en una pista de audio determinada. Además, también nos indica si el nivel de señal es la adecuada para nuestros propósitos.

La primera extensión: notas musicales de Do a Sol para piano

2009-07-20T20:48:00.000-07:00

Cuando se estudia el aprendizaje del piano, se suele empezar practicando con un grupo reducido de teclas del teclado. Por extensión se hace referencia a ese grupo reducido de teclas del piano (consecutivas) que se usan para ir practicando.

La primera extensión del teclado del piano que vamos a aprender es la del grupo de teclas que van de la nota musical Do a la nota Sol. Son cinco notas del teclado, para cubrir los cinco dedos de la mano.

En la siguiente imagen podemos aprender la ubicación en el pentagrama de las notas de la extensión Do - Sol: Do, Re, Mi, Fa y Sol respectivamente:

Voy a incluiros también un ejercicio para practicar la extensión Do - Sol del piano. Yo recomiendo que hecheis un vistazo a la correspondencia de las notas, e ir practicando. Si salen dudas, volver al gráfico para solventarlas... y así.

Si alguien tiene alguna duda que me la escriba en los comentarios, yo la responderé rápido, ya que al publicar me envía un email de aviso.

El doble pentagrama para tocar el piano

2009-07-20T07:24:00.001-07:00

Debido a la gran extensión tonal que tiene el piano, para reflejar toda esta extensión tenemos que hacer uso del doble pentagrama. Esto es así porque con una sola clave no podemos abarcar todo el registro tonal del piano.

Para solventar este problema, además de emplear la clave de Sol, tenemos que utilizar la clave de Fa.

En la clave de Sol se ponen las notas musicales agudas del piano. Mientras que en la clave de Fa en 4ª línea ponemos las notas graves. El límite, generalmente, lo marca el Do central, que se pondrá justo en la mitad del doble pentagrama (una posición equidistantes entre las dos claves).

Cuando se empieza a aprender el piano puede ser un poco intimidante leer dos claves musicales, con sus dos pentagramas, a la vez. Pero nada más lejos de la realidad, pronto os habituareis a leer el doble pentagrama.

Es solo cuestión de práctica, y tocar a menudo el piano. Poco a poco, y con las lecciones de piano de este blog, se podrá interpretar leyendo el doble pentagrama.

Las escalas diatónicas mayor y menor. Distribución tonos semitonos

2009-07-18T19:07:00.001-07:00

Las escalas musicales diatónicas son las que constan de siete notas. Estas pueden ser, principalmente, la escala mayor y la escala menor.

Cada una de estas dos escalas musicales se caracterizan por tener un determinado patrón a lo largo de la distribución de tonos y semitonos. En la siguente imagen se muestra el patrón de tonos y semitonos para las escalas mayor y menor:

Esta sucesión de tonos y semitonos es lo que da personalidad a cada escala musical. Por ejemplo, las escalas diatónicas mayores suenan brillantes, ideales para melodías alegres y simpáticas.

Las escalas diatónicas menores tienen una sonoridad más oscura, son buenas para componer melodías románticas, para expresar nostalgia y todo ese tipo de emociones.

Veamos la escala de Do mayor, analizando en el pentagrama musical la sucesión de tonos y semitonos:

Cómo se aprecia, se respeta el patrón de tonos y semitonos. Pero si quisiéramos escribir en el pentagrama la escala de Sol mayor, tendríamos que alterar alguna nota para seguir respetando el patrón de tonos y semitonos; para que así la escala siguiese siendo mayor.

Por otro lado, si quisiéramos pasar la escala de Do mayor a menor, no nos queda más remedio que alterar algunas notas para respetar el patrón de tonos y semitonos característico de las escalas menores.

Introducción a la masterización

2009-07-15T20:47:00.001-07:00

La masterización es el último proceso que se realiza en la producción musical. Su objetivo es darle el toque final a los proyectos musicales para poder alcanzar una calidad bastante buena.

En el gráfico se muestra un maximizador, que se usa para que la canción suene lo más preamplificada posible, sin que pierda calidad de sonido. Además del maximizador, en la masterización se suelen emplear otros efectos de sonido; como el ecualizador o el compresor multibanda.

Lo normal, a la hora de masterizar un tema musical, es seguir una cadena de procesado. Por ejemplo, primero un maximizador, luego un compresor multibando y por último un ecualizador paramétrico.

En este blog encontrareis una categoría dedicada a la masterización.

La escala de Do mayor en el piano

2009-07-15T18:04:00.000-07:00

La escala de Do mayor es la primera escala musical que se suele estudiar cuando se aprende música. Esto es así porque es la escala que recoge los siete sonidos musicales por orden: Do - Re - Mi - Fa - Sol - La - Si.

Se trata de una escala diatónica y, como su nomenclatura de "mayor" indica, su distribución en cuanto a tonos y semitonos es el siguiente:

Esta escala de Do mayor abarcaría las teclas blancas del teclado de un piano, como se puede apreciar en la siguiente imagen. Los medios tonos estarían entre las teclas que no tienen una tecla negra entre ellas.

Veamos un pentagrama en donde se ven escritas las notas musicales de esta escala musical. También he indicado los tonos y semitonos entre cada nota de la escala de Do mayor.

El compresor multibanda

2009-07-14T10:33:00.001-07:00

El compresor multibanda es un dispositivo para el procesamiento de audio. Dicho procesamiento consiste en manipular el rango dinámico del sonido. pero ¿qué es el rango dinámico de un sonido?

Bien, podemos decir que, para no complicar mucho la cosa, el rango dinámico consiste en toda la gama de volumen que experimenta un sonido al ser reproducido. En otras palabras, es todo el rango que va de lo más flojo a lo más fuerte que suena un sonido.

Pues bien, con el compresor multibanda podemos manipular a nuestro antojo ese rango dinámico, es decir, tenemos la posibilidad de cambiar la evolución de lo flojo a lo más fuerte que suena un sonido, y viceversa.

El compresor que muestra el gráfico es multibanda porque permite controlar el rango dinámico del sonido por partes, o sea, el rango de hasta tres bandas de frecuencias independientemente. Para ello se vale de tres secciones con grupos de seis botones.

Por otra parte, también los compresores multibanda suelen disponer de un monitor donde podemos ver gráficamente como vamos cambiando el rango dinámico del sonido (parte izquierda).

Podeis buscar por "compresor" en este mismo blog para adquirir los conocimiento básicos que se necesitan para entender como funciona un compresor.

Acordes para piano de Do mayor, Fa mayor y Sol séptima

2009-07-14T07:56:00.000-07:00

Los acordes de Do mayor, Fa mayor y Sol séptima son los primeros que se suelen aprender a la hora de iniciarse a tocar el piano. Recuerda que un acorde es la ejecución en el piano de tres sonido simultáneos.

Primero, antes de explicar estos acordes para piano, veremos unos gráficos para que podamos aprendérnoslo:

Acorde de Do mayor

Este es el primer acorde para piano que hay que aprender. Es muy fácil, consta de las notas musicales Do - Mi - Sol, y se tocan con los dedos Pulgar (1), Corazón (3) y Meñique (5) de la mano derecha.

Para la mano izquierda tocamos el Do con el dedo Meñique (5), el Corazón (3) lo usaremos para la nota Mi, y la nota musical Sol se toca con el dedo Pulgar (1).

Acorde de Fa mayor para piano

El acorde para piano de Fa mayor es parecido al de Do mayor, pero en caso de tocar las notas musicales Mi y Sol, tocaremos Fa y La; manteniendo el Do, que en este caso dejará de ser la nota fundamental.

Se toca, para la mano derecha: la nota Do con el pultar (1); la nota Fa con el corazón (3); la nota La con el meñique. Para la mano izquierda: Do con el meñique (5), Fa con el índice (2); La con el pulgar (1).

Acorde de Sol séptima

Este es el tercer acorde que se suele aprender cuando estamos empezando a tocar el piano.

Para tocarlo tenemos que, con la mano derecha, utilizar el dedo Índice para tocar la nota musical Re (2). La siguiente nota, la nota Fa, se toca con el dedo Anular (4), y la nota Sol, que es la fundamental, con el Meñique (5).

Para la mano izquierda tocaremos el Re con con el Anular (4), la nota musical Fa la tocaremos con el dedo Índice (2), y el La lo tocaremos con el Pulgar (1).

El sintetizador Sytrus

2009-07-13T10:18:00.000-07:00

El sintetizador Sytrus es un instrumento para la síntesis de sonido muy versátil y poderoso. Cuenta con seis características principales: síntesis FM (Frecuencia Modulada) y RM (Modulación en Anillo), tres módulos de filtros, un módulo de efectos con chorus, tres delays y un modo de Unison programable.

Esta rica implementación de características en el sintetizador Sytrus nos permite un extremado rango de sonidos, muy variados. Esto incluye bajos, campañas, pads, percusión, pianos, cuerdas, órganos y una gama grande de sonidos de percusión.

El módulo principal del sintetizador Sytrus contiene algunos de los elementos generales para los sonidos más clásicos. Esta características es fantástica para que la gente con menos experiencia pueda iniciarse en el mundo de la síntesis de sonido.

Con Sytrus, este tipo de usuarios podrá aprender los más fundamental sobre filtros o envolventes de volumen. Además, se podrá adentrar en el mundo de la síntesis FM.

Las claves musicales de la partitura musical

2009-07-11T10:36:00.000-07:00

Las claves musicales son unos símbolos de la partitura musical, que se colocan sobre el pentagrama; al principio de toda la grafía musical. Estas claves musicales sirven de referencia para saber que notas musicales están escritas en la partitura.

Debido a que cada instrumento musical dispone de su propio registro tonal, tenemos a nuestra disposición de hasta tres claves musicales. Además, algunas de ellas se pueden colocar en distintos lugares del pentagrama (1ª lína, 2ª línea, etc.).

Vamos a ver en más detenimiento estás claves musicales; osea, cuales se colocan en cada ubicación del pentagrama de la partitura musical:

Clave de Sol. Esta clave musical nos indica que la referencia para la ubicación de las notas es la nota musical Sol. Así pues, tendrémos que ubicar el Sol en la 2ª línea del pentagrama.

Clave de Fa en 4ª línea. Esta es otra clave, y para esta ocasión, ubicada en la 4ª línea del pentagrama musical. Así pues, cuando la veamos en una partitura musical, significa que la nota que veamos en la 4ª línea es el Fa.

Clave de Fa en 3ª línea. Esta es la misma clave del punto anterior, pero en este caso la colocaremos en otra ubicación; concretamente en la 3ª línea del pentagrama.

Clave de Do en 1ª línea. Esta es la tercera clave que nos faltaba. Como su nombre indica, hace referencia a la nota musical Do. En este caso, colocaremos el Do pues en la 1ª línea del pentagrama musical.

Clave de Do en 2ª, 3ª o 4ª línea. La clave de Do es la que más ubicaciones tiene. La podemos colocar en la 1ª (como hemos visto), 2ª, 3, y hasta 4ª línea del pentagrama musical.

Las claves y sus ubicaciones se eligen en función del registro tonal del instrumento musical en cuestión. Por ejemplo, el piano, que tiene un registro tonal muy ámplio, suele utilizar las claves de Sol y de Fa en 4ª línea simultáneamente. Lo que se conoce como "doble pentagrama".

El mapeo de samples en el sampler digital

2009-07-08T10:55:00.000-07:00

El sampler tiene, internamente, una representación de un teclado; con sus teclas blanca y sus teclas negras. Nosotros, una vez grabado las muestras del sonido que queremos samplear, tenemos que distribuirlas por ese teclado interno del sampler.

Este proceso de distribuir las muestras que hemos grabado (samples) recibe el nombre de mapear. Así que en este post vamos a aprender a mapear samples en el teclado interno de nuestro sampler.

Como se ve en el gráfico, normalmente los samplers tienen una representación gráfica de su teclado interno. En nuestro ejemplo, se trata del sampler NN-19 que se incluye en el programa Reason de la compañía Propellerheads.

La mecánica que se sigue para mapear samples es simple: primero la muestra, una vez cargada, se coloca en su tecla correspondiente. Por ejemplo, si hemos grabado una nota Do de la tercera octaba, tenemos que posicionarla en C3 del teclado interno del sampler.

Una vez el sample, o muestra de sonido, está en la tecla que le corresponde, tenemos que asignarle un rango de teclas. Generalmente la nota raiz, que es la nota del teclado interno donde posicionamos la muestra anteriormente, siempre quedará equidistante al límite superior e inferior del rango de teclas.

Una vez sabemos lo básico en cuanto a mapeo de muestras o samples, vamos a ver que son esos controles que muestra el gráfico:

RootKey. Empezamos por este control, que sirve para elegir la nota raiz de la muestra o sample. Si hemos grabado una muestra de sonido en Fa de la cuarta octaba, RootKey debería ser F4.

LowKey. Sirve para delimitar el rango de teclas, por abajo, que incluirán el sonido de la muestra que hemos grabado.

HighKey. Este control nos permite elegir la nota que delimitará, por arriba, el rango de teclas que se verán incluídas en una determinada muestra o sample.

Sample. Cuando estamos mapeando más de una muestra o sample, este control nos sirve para elegir el sample con el que vamos a trabajar en un momento dado.

Loop. Este control nos permite hacer que la muestra se reproduzca no solo una vez, sino que se reprodicirá indefinidamente; mientras tengamos pulsada la tecla del teclado.

Tune. Esto nos ayuda a aplicar pequeñas correcciones en el tono de la muestra, por si hubiese alguna variación de tono entre sample y sample.

Level. De forma análoga al control tune, con este control podemos hacer pequeñas correcciones en cuanto al volumen de la muestra.

El pentagrama musical de las partituras

2009-07-06T09:23:00.001-07:00

El pentagrama musical es un símbolo gráfico que sirve de "soporte" para toda la grafía musical: notas musicales, armadura, barras de compás, claves, etc...

Vamos a ver un gráfico con el pentagrama, donde se muestran sus partes constituyentes:

Como se ve en el gráfico, el pentagrama musical consta de cinco líneas paralelas. Estas líneas forman entre ellas lo que llamamos espacios. Los espacios y líneas del pentagrama se cuentan de abajo hacia arriba. Así, por ejemplo, tenemos la primera línea, el cuarto espacio o la tercera línea.

Además de estas cinco líneas y cuatro espacios que forman entre ellas, el pentagrama puede albergar líneas y espacios adicionales. Se forman añadiendo pequeñas líneas en los límites superior e inferior del pentagrama musical.

Las notas musicales, como hemos dicho, se colocan sobre el pentagrama musical, encima de las líneas y espacios del mismo. Según una nota musical ocupe una línea u otra, o espacio, variará en su tono. Es decir, sonará más grave o más aguda según ocupe un lugar más algo o más bajo en el pentagrama.

La envolvente de volumen

2009-07-05T09:09:00.000-07:00

La envolvente de volumen es un dispositivo que se utiliza en producción musical para controlar la intensidad de volumen a lo largo del tiempo. Los instrumentos electrónicos que suelen incorporar envolvente de volumen son el sintetizador y el sampler.

Si tocamos un violín con el arco conseguiremos un sonido que empieza suavemente, y que tiene una duración larga; hasta que dejemos de friccionar con el arco. Si, por el contrario, tocamos el violín con los dedos, como si fuera una guitarra, notaremos que el sonido empieza bruscamente, y tendrá una duración muy corta.

Pues bien, con las etapas de la envolvente de volumen controlaremos los aspectos mencionados en el ejemplo anterior.

Attack (A). Esta etapa de la envolvente controla el tiempo en que el sonido empieza de cero hasta que adquiere su intensidad máxima. Sonidos percutidos tendrán un ataque muy rápido, y sonidos como el violín, lento.

Decay (D). Esta etapa de la envolvente de volumen marca el tiempo en que el sonido, desde su intensidad máxima, baja hasta el nivel de la siguiente etapa de la envolvente.

Sustain (S). En este caso, esta etapa de la envolvente de volumen no controla el tiempo que tarda el sonido en evolucionar respecto a su volumen. Sinó que determina el volumen del sonido mientras se mantiene pulsada la tecla del teclado MIDI.

Release (R). Esta etapa de la envolvente de volumen nos sirve para controlar el tiempo que tarda el sonido en desvanecerse después de soltar la tecla del teclado MIDI. Sonidos de coros suelen tener un relajamiento lento, mientras que sonidos como el de un órgano de iglesia, rápido.

Además, tenemos otra clase de envolvente más complejas, con más etapas. Este tipo de envolvente no suelen controlar el volumen, sino otros parámetros como la frecuencia de un sonido, o su tono.

Las formas de onda del oscilador

2009-07-04T10:56:00.000-07:00

Las formas de onda del oscilador del sintetizador suelen ser cuatro. Estas cuatro son las cuatro formas de onda típicas, las clásicas. Según elijamos una forma de onda u otra conseguiremos un tipo de sonido u otro.

Por ejemplo, una forma de onda triangular nos dará un sonido tipo clarinete, hueco. Una en diente de sierra nos dará un sonido rico, ideal para sonidos solistas tipo trompeta.

Pues bien, vamos a conocer las formas de onda:

Las formas de onda del oscilador

Sinusoide: es un tipo de forma de onda que sirve para sonidos muy artificiales, ya que en la naturaleza es raro encontrar un sonido sinusoidal (por ejemplo el silvido).

Triangular: esta forma de onda es parecida a la sinusoide, pero en este caso conseguiremos un sonido más rico. Es ideal para combinarla con la triangular, y conseguir así buenos sonidos de bajo.

Triangular: en este caso, esta forma de onda es buena para hacer sonidos tipo clarinete, sonidos que, aun no siendo solistas, tienen cierto protagonismo en el tema que queramos hacer. También para sonidos arpegiados es buena esta forma de onda.

Diente de sierra: esta forma de onda es la que más se suele emplear en la música dance. Con ella podremos hacer sonidos de todo tipo, siempre muy ricos armónicamente, y con gran cuerpo. Sonidos como tipo trompeta.

Consejos para hacer música Trance

2009-07-03T13:53:00.000-07:00

Para hacer música trance hay que tener las herramientas apropiadas. Hoy en día, gracias a la informática musical, se pueden hacer muy buenos temas trance desde el hogar.

Pero no es tan fácil, después de contar con las herramientas apropiadas, que describiré a continuación, hay que saber manejarlas. Y es esto lo más complicado, el adquirir los conocimientos técnicos para manejar secuenciadores, sintetizadores, etc.

Lo bueno es que en este mismo blog trataremos todas estas cuestiones técnicas de producción musical. Pero por otro lado, hay que tener ciertas habilidades musicales: algo de conocimiento en teoría musical, y la habilidad de interpretar cosas con el teclado electrónico.

Pues bien, lo primero que necesitamos para hacer música trance es un programa de secuenciación. Éste se encargará de registrar nuestras grabaciones y gestionar todo el tema de conexiones con los instrumentos musicales virtuales.

Yo recomiendo utilizar el secuenciador cubase, ya que es un programa muy bueno y que nos brindará un sonido muy nítido. La imagen siguiente muestra el aspecto de Cubase.

Por otro lado, mucha gente que compone música trance utiliza otro secuenciador llamado FL studio, el antiguo Fruity Loops. Este programa también es bueno, pero limitado para hacer música electrónica, no es tan profesional. A continuación puedes ver una captura de FL Studio.

A partir de aquí, la técnica es utilizar instrumentos musicales emulados por software, y controlarlos por medio de un teclado controlador MIDI. Por ejemplo, para música trance mucha gente usa el sintetizador Vanguard, porque tiene un sonido genuíno trance.

Tipos de acordes de tríadas en música

2009-07-02T13:31:00.001-07:00

Las tríadas construídas sobre los diversos grados de una escala dada difieren no sólo en la altura, sino también en la cualidad de su sonido.

La razón es que si bien las tríadas se forman mediante terceras, algunas de estas terceras son mayores y otras son menores. Cuando se combinan, las terceras producen cuatro tipos de tríadas.

Al construir tríadas sobre una fundamental dada, encontramos que:

Una tercera mayor más una tercera menor forman una tríada mayor.
Una tercera menor más una tercera mayor forman una tríada menor.
Una tercera mayor más otra tercera mayor forman una tríada aumentada.
Una tercera manor más otra tercera manor forman una tríada disminuída.

Entre la fundamental y la quinta de una tríada mayor o de una tríada menor hay un intervalo de quinta justa.

Entre la fundamental y la quinta de una tríada aumentada hay un intervalo de quinta aumentada; y de una tríada disminuída, una quinta disminuida.

Los grados de la escala musical

2009-07-01T19:42:00.001-07:00

Las siete notas de la escala diatónica se le llaman grados de la escala. Es habitual indicar estos grados por medio de números romanos. Van desde I al VIII. El obtabo grado, no obstante, es la tónica que se pone para cerrar la escala.

Tónica: (I) Es la nota básica de la escala musical, la más importante.
Supertónica: (II) Es la nota siguiente a la tónica.
Mediante: (III) Significa "a medio camino", osea, está en medio entre la tónica y la dominante (las dos notas más importantes dentro de la escala musical).
Subdominante: (IV) A la misma distancia de la tónica hacia abajo que la dominante hacia arriba.
Dominante: (V) Es una nota, o grado, muy importante dentro de la escala musical. Es el elemento dominante en la tonalidad.
Submediante: (VI) Está a medio camino, hacia abajo, entre la tónica y la subdominante.
Sensible: (VII) En un tema musical, la sensible es un grado de la escala que tiende a la tónica.

El nombre de sensible lo usamos cuando la distancia entre el séptimo grado y la tónica es de medio tono, como en la escala mayor y en la escala menor melódica ascendente.

Cuando la distancia es de un tono, como en la escala menor melódica descendente, el séptimo grado de ja de considerarse una sensible y se llama simplemente séptimo grado menor, aunque también se emplea el término subtónica.

El teclado del piano y las notas musicales

2009-06-30T14:47:00.000-07:00

Comenzaremos conociendo el teclado de tu piano o teclado electrónico. También veremos las notas musicales; pero no aún su grafía y lectura, sino desde el punto de vista de su posición en el teclado del piano y teclado electrónico. Es importante no pasar este capítulo por alto, ya que su asimilación nos permitirá, más fácilmente, progresar en el aprendizaje de nuestro instrumento musical.

Lo primero que podemos advertir, al observar la figura 1, es que en el teclado existen grupos de dos y tres teclas negras que se alternan. Ese es precisamente el patrón de teclas que se van repitiendo; los comprendidos en el grupo de dos y tres teclas negras. En la figura 2 puedes observar el patrón de teclas que se va repitiendo y los sonidos musicales que le corresponde a cada tecla.

Así tenemos siete sonidos: DO, RE, MI, FA, SOL, LA y SI. Estos sonidos solo son siete, y para que cubran todas las teclas del teclado es necesario que se repitan. En definitiva, estos siete sonidos se repiten pero sonando en tonos diferentes; más agudos o más graves. Escucha el audio 1, en donde suenan varios DO en diferentes tonos. También, en la figura 3, puedes ver en el teclado como se repiten cíclicamente los sonidos musicales.

A lo mejor te estás preguntando porqué existe un grupo de dos y otro de tres teclas negras. La razón es que estos grupos nos sirven de referencia a la hora de tocar el instrumento. Como las notas, como sabemos, se van repitiendo cíclicamente, necesitamos un sistema de referencia para saber llegar al tono de un sonido determinado. Si estamos tocando un RE de tono medio y queremos pasar a un MI de tono agudo, solo tenemos que localizar el grupo de dos teclas negras que esté a la derecha y pulsar la tecla blanca inmediatamente a la derecha de este grupo.

Vamos a introducir otro concepto que nos ayudará más adelante para la correcta ejecución en el piano. Nos referimos al DO central. Éste se encuentra en la parte central del piano y, si te fijas en la figura 4, es la tecla que está inmediatamente a la izquierda del grupo de dos teclas negras.

Este sonido: el Do central, se utiliza como referencia para la posición de las manos en el teclado. Por ahora solo has de saber que existe, ya que más adelante haremos referencia a él para comenzar a realizar ejercicios y posicionar correctamente las manos sobre nuestro teclado del piano; o del teclado electrónico.

El sampler en la producción musical

2009-06-30T07:16:00.000-07:00

Un sampler es un instrumento que sirve para emular electrónicamente los instrumentos musicales acústicos, como pueden ser el piano, la guitarra española, la flauta o el violoncelo.

Para ello utiliza muestras de sonido de estos sonidos acústicos grabadas previamente. Una vez grabadas estas muestras llamadas samples lo que se hace es muestrearlas a lo largo de las teclas del teclado electrónico.

Veremos esta técnica, además de otras como la correcta grabación de estas muestras de audio en el sampler.

Gracias a la informática musical, hoy en día es factible utilizar sampler. Se trataría en ese caso de emulaciones por software de samplers. Un instrumento de este tipo real puede costar mucho dinero.

El sintetizador

2009-06-29T08:40:00.000-07:00

Un sintetizador es un instrumento de producción musical que sirve para crear nuestros propios sonidos. Estos sonidos suelen ser llamados electrónicos, aunque también se puede emplear el sintetizador para recrear sonidos acústicos (violín, guitarra, etc...).

De todas maneras, no es recomendable que hagamos sonidos acústicos con el sintetizador, ya que existen otros instrumentos especiales para ellos, llamados samplers. Más adelante conoceremos lo que es un sampler.

Aunque un sintetizador utiliza muchos procedimientos de la física acústica, para aprender a manejarlo bien no hará falta unos conocimientos muy profundos sobre física, más concretamente sobre acústica.

Te encontrarás con muchos tipos de sintetizadores: unos emplearán técnicas distintas para generar el sonido, como síntesis subtractiva, por modulación de frecuenca, síntesis granular, etc. Incluso lo más sofisticados integran varias de estas técnicas en su cuadro de mandos.